Kunstenaarsprofielen

Hedendaagse aquarel kunstenaar John Salminen deelt hardgewonnen wijsheid

Hedendaagse aquarel kunstenaar John Salminen deelt hardgewonnen wijsheid


We are searching data for your request:

Forums and discussions:
Manuals and reference books:
Data from registers:
Wait the end of the search in all databases.
Upon completion, a link will appear to access the found materials.

Exclusief interview met Master of Watercolor: John Salminen

Elke keer als ik naar John Salminen's werk kijk, word ik gewoon blij. Ik bestudeer een paar momenten elk schilderij - waarbij ik de kleuren, de composities, de verhalen, de vormen in me opneem - en deze visuele absorptie versterkt gewoon mijn geest. Om deze reden ben ik onder andere heel blij dat John Salminen het jurylid is van de10e jaarlijkse internationale Watermedia Showcase.

Zijn vakkundig oog en talrijke kunstuitingen maken hem een ​​ideaal jurylid voor deze wedstrijd. Hij geeft niet alleen les en neemt deel aan schilderevenementen over de hele wereld, hij is ook een bekend lid van de American Watercolor Society, de National Watercolor Society en de Transparent Watercolor Society of America.

Salminen heeft meer dan 220 prijzen gewonnen in nationale en internationale tentoonstellingen en hij was een uitgenodigde kunstenaar op tal van internationale aquareltentoonstellingen in China, Singapore, Taiwan, Thailand, Rusland, Turkije, Mexico, Italië, België en Australië.

Lees alles over John Salminen, de veelgeprezen Watermedia Showcase-jurylid, in dit exclusieve interview hieronder. Genieten!

Hoe ben je geïnteresseerd geraakt in aquarel?

Mijn interesse in aquarel begon in de vroege jaren 80 toen ik de kans kreeg om te studeren bij Cheng Khee Chee. Hij gaf les aan de University of Minnesota Duluth campus.

Een collega-kunstleraar en ik hebben me aangemeld voor verschillende lessen, die ongeveer een periode van twee jaar beslaan. Dit was niet mijn eerste ervaring met aquarel, maar het was de aanzet die ik nodig had om een ​​serieuze verbintenis met het medium aan te gaan.

Ik heb veel nuttige technieken geleerd, maar vooral vond ik de ontwerpgerichte benadering van aquarel intrigerend. Ik werd me steeds meer bewust van het belang van een solide uitgebouwde design-based foundation.

Hoe meer ik schilderde, hoe meer ik besefte hoeveel ik moest leren. Ik heb het gevoel dat ik nog steeds bouw aan informatie en vaardigheden die ik tijdens die lessen heb opgedaan.

Wie waren de aquarelartiesten die je het meest inspireerden?

Ik ben begonnen als abstract expressionistische schilder. De concepten en benaderingen van DeKooning en Franz Kline staan ​​nog steeds centraal in mijn hoofd wanneer ik een nieuw schilderij begin.

Toen ik representatief met aquarel begon te schilderen, had meneer Cheng Khee Chee een sterke invloed. En in het begin wilde ik net als hij schilderen. Tegelijkertijd leerde ik van de Californische schilders - de grote snelle en losse plein air-schilders die het medium naar voren stuwden.

Robert E. Wood en Morris Shubin gaven me een andere manier om design in mijn stukken op te nemen. Frank Webb schreef welsprekend over het onderwerp en ik bestudeerde zijn aanpak zorgvuldig.

Naarmate ik vaardiger werd, begon ik mijn eigen stijl aan te nemen. Mijn invloeden werden fijner afgestemd.

Hoewel ik niet probeer het werk of de stijl van andere schilders na te bootsen, put ik voortdurend inspiratie uit veel kunstenaars. Dean Mitchell's huidige gebruik van rijke grijzen, Joseph Zbukvic's gloeiende passages van gemiddelde waarde en Mary Whyte's vermogen om de kijker op een emotioneel niveau te betrekken, intrigeren me allemaal.

Terwijl ik lesgeef, beoordeel, tentoonstellingen bezoek en werk in boeken of via sociale media bekijk, zie ik stukjes en beetjes schilderijen die me doen nadenken over hoe een bepaald effect of zelfs een soort penseelstreek mijn eigen werk zou kunnen beïnvloeden. Alles wat ik zie, kan mijn denken veranderen en mijn werk subtiel beïnvloeden. Ik zal altijd student blijven, en het zorgvuldig observeren van werken van schilders die ik bewonder, helpt me op weg naar verbetering.

Waar kijk je naar - wat trekt je het meest aan - als je op zoek bent naar potentiële onderwerpen?

Ik werk vanuit foto's die ik op locatie maak, met de camerazoeker als schetsboek. Ik zoek naar waardeveranderingen en een interessante compositie wanneer ik bepaal wanneer ik op de sluiter moet klikken. Deze zelfde elementen helpen me om te bepalen welke van mijn vele fotoverwijzingen ik moet kiezen voor een schilderij.

Zodra ik een onderwerp met een sterke compositie heb geselecteerd, wordt het mijn taak om het te voorzien van extra inhoud die de kijkers zal aanspreken. Daartoe voeg ik vaak figuren toe en verander ik de sfeer en sfeer door de waardestructuur aan te passen om een ​​gevoel van tijd en plaats te geven.

Sommige onderwerpen lenen zich gemakkelijker voor een 'verhaal' dan andere. Dat is een deel van de uitdaging bij het maken van een schilderij waar mensen zich mee kunnen identificeren.

Veel van je schilderijen hebben bekende locaties. Denk je dat dit je helpt bij het creëren van een stemming of een link met de kijker?

Door onderwerpen te gebruiken waarmee kijkers zich kunnen identificeren, nodig ik ze uit om met het werk te communiceren. Een van mijn doelstellingen is om de kijker een iets andere kijk te geven op een bekend icoon.

Je werk staat bekend om zijn sterke ontwerp van complexe onderwerpen. Maakt u kleine voorlopige grofwegingen of waardeonderzoeken?

Jarenlang heb ik schetsboek na schetsboek gevuld met gedetailleerde tekeningen gemaakt op locatie. Ik keerde daarna terug naar mijn atelier en herwerkte de schetsen met het oog op ontwerp, compositie en waarde.

De tweede tekening werd mijn blauwdruk voor het schilderij, terwijl mijn schets op locatie voor overtuigende details zorgde. Na zoveel oefenen met deze ontwerpgebaseerde benadering die waardepatronen, dynamische vormarrangementen en interessante composities heeft gecreëerd, heb ik nu het gevoel dat ik deze principes heb geïnternaliseerd.

Ik kan een sterk onderwerp identificeren terwijl ik de foto's maak en terwijl ik ze scan op zoek naar verwijzingen naar schilderijen. Ik doodle echter nog steeds terwijl ik aan de telefoon ben. Als ik wat extra tijd heb, besteed ik het graag aan het maken van abstracte arrangementen van donkere, gemiddelde en lichte waarden - compositie op het meest essentiële niveau. Terwijl ervaren muzikanten doorgaan met het oefenen van toonladders, blijf ik componeren.

Als de compositie en de richting van het schilderij eenmaal zijn vastgesteld, ga je dan verder zonder veel voorbereidend werk?

Zodra ik zie wat ik wil schilderen, maak ik een uitgebreide tekening, herschik en herontwerp zoals ik altijd deed in mijn schetsboek. De waarde van een solide tekening is dat het me tijdens het schilderen vrijmaakt om me te concentreren op stemming en gevoel.

Omdat mijn schilderijen vaak vrij groot zijn, houdt de tekening me in contact met mijn oorspronkelijke bedoeling. En de tijd die nodig is om de tekening te maken, wordt teruggewonnen tijdens het schilderproces.

Ik heb gemerkt dat ik het belangrijk vind om het schilderij regelmatig op te hangen en er zorgvuldig en kritisch naar te kijken. Het schilderij ontwikkelt vaak een eigen stem en suggereert soms een nieuwe richting.

Wat kunt u ons vertellen over uw effectief gebruik van neutrale kleuren en beperkte kleuren? Je gebruikt donkere waarden en diepe schaduwen zo goed. Gebruik je ooit zwart - al was het maar voor extra punch?

Mijn gebruik van geneutraliseerde kleur is gebaseerd op het concept van enscenering. Door een zorgvuldig georkestreerd schilderij te maken met complementaire mengsels en een rijke mix van grijstinten, kan ik kleine hoeveelheden pure, heldere kleuren gebruiken om een ​​dramatisch accent te creëren.

Ik gebruik ook lampzwart als een dramatisch accent, waarbij ik het pure zwart plaats in een deel van het schilderij dat al is gewijd aan zeer donkere gemengde zwarten (alizarin karmozijnrood en ftalagroen of ultramarijnblauw en verbrand omber). De lamp zwart geeft helderheid aan de omringende donkere passages en zorgt voor de extra druk die nodig is om een ​​donker accent te creëren.

U gebruikt fotoreferentie voor uw atelierschilderijen. Heeft u echte nadelen ondervonden bij het werken met foto's?

Het werken met foto's kan een potentieel risico opleveren. Kunstenaars kopiëren soms gewoon wat de camera heeft opgenomen of werken van foto's die door andere mensen zijn gemaakt. Dit kan het vermogen van de artiesten om hun individuele creatieve visies te uiten, beperken.

Ik heb jarenlang lesgegeven in fotografie, en ik geloof dat de esthetische normen waarmee we een foto beoordelen anders zijn dan die we gebruiken om een ​​schilderij te beoordelen. Een foto eenvoudigweg vergroten met verf lijkt dwaas. Een fotokopieerwinkel kan het sneller en goedkoper.

Mijn uitdaging bij het gebruik van fotoreferentie is om een ​​werk te maken dat vertrouwt op de schilderkunstige omgang met het medium en gebruik maakt van mijn opties om de realiteit van de scène te verbeteren en te versterken. Ik heb vaak een emotionele reactie op mijn onderwerpen. Wat ik zie, wordt gekleurd door het totaal van mijn eigen ervaringen.

Zo werd mijn kijk op een scène soms beïnvloed door prachtige beschrijvende passages van auteurs als Saul Bellows. Of ik herinner me hoe ik me voelde toen ik op locatie stond en door mijn zoeker keek. Ik herinner me het gerommel van de verhoogde trein of de geur van geroosterde cashewnoten van een nabijgelegen verkoper. Al die bijdragende factoren voegen elementen toe aan mijn schilderij die niet waren opgenomen in de eerste fotoverwijzing.

Een foto legt trouw details vast. Ik moet prioriteit geven aan dat detail, het interpreteren en hopelijk verbeteren. Deze dingen, gecombineerd met de kwaliteit van het merk op de pagina, onderscheiden een schilderij van een foto.

Werk je soms met verschillende foto's van hetzelfde onderwerp?

Ik combineer vaak afbeeldingen om de compositie of het verhaal dat wordt verteld te verbeteren.

Welk papier geeft u over het algemeen de voorkeur - merk, koude pers, hete pers, enz.?

Het beste papier voor mijn schilderproces is d’Arches 140 pond koude pers, in volledige vellen, in olifantenformaat of grotere stukken gesneden uit rollen. Het voldoet volledig aan mijn behoeften.

Bereidt u uw papier op een of andere manier voor - nat maken, uitrekken, enz.?

Ik plak het papier eenvoudig op een stuk schuimkern en breng de tape ongeveer 1/2-inch van de rand van het papier. Ik gebruik schuimkern die ik heb voorgesneden tot dezelfde buitenafmetingen van mijn mat en stuk plexiglas, waardoor ik het schilderij gemakkelijk achter de mat kan laten glijden.

Het plexiglas herstelt de glans naar de oppervlakte. Dit eenvoudige systeem bevordert frequente reflectieperioden wanneer het schilderij tevoorschijn komt.

Heb je een aantal kleuren waarop je vertrouwt en sommige probeer je om welke reden dan ook te vermijden?

Mijn favoriete kleuren zijn heel traditioneel. Mijn palet is in vele jaren niet veel veranderd. Alizarin Crimson en Pthalo Green zitten naast elkaar, net als Ultramarine Blue, Burnt Sienna en Burnt Umber. Dit zijn de werkpaardcombinaties van mijn neutrale kleurenschema's.

Een andere combinatie die ik leuk vind, is Cerulean Blue en Cadmium Orange om een ​​aantal rijke, moeilijk te definiëren kleuren te creëren. Mijn enige recente toevoeging is een favoriet van praktisch iedereen: Quin Gold. Ik gebruik het echter voorzichtig, omdat het de ster van de show wil zijn, of ik dat nu wil of niet.

Mijn favoriete mengsels vinden plaats na een paar dagen schilderen, wanneer de slurry in het midden van mijn ongewassen palet interessant begint te worden.

Persoonlijk vermijd ik alle geelgroene kleuren. Het enige groen in mijn palet is phthalo omdat het cool is en goed combineert met andere kleuren.

Je plein air schilderijen presenteren een heerlijke maar totaal andere stijl. Hebben ze bijgedragen aan de evolutie van uw atelierschilderstijl?

Het duurt 40-60 uur om mijn atelierschilderijen te voltooien. Omdat ik enorm geniet van het schilderen, is dat geen probleem voor mij. Ik raak zo ondergedompeld in de kleine abstracties die naar voren komen als ik interne details toepas dat ik voor altijd zou kunnen blijven schilderen.

Ik ben onlangs echter uitgenodigd om deel te nemen aan uitstapjes naar plein air painting in China en elders. Mijn studiostijl zou niet werkbaar zijn, dus ik heb mijn roots opnieuw bekeken - de snelle en losse stijl in Californië. Het is comfortabel voor mij en past goed bij de onderliggende ontwerpconcepten die ik in de loop der jaren heb ontwikkeld.

Ik geniet ervan om een ​​schilderij in een uur of twee te kunnen voltooien en ik ben steeds meer tevreden over de resultaten. Ik denk dat deze ervaringen mijn studiowerk versterken omdat ze me weer in contact brengen met het prachtige lichtgevende aspect van snel aangebrachte wasbeurten - iets dat soms in de studio verdwaalt.

Als ik met mijn camera op straat ben, maak ik beelden met dezelfde mentaliteit als wanneer ik buiten schilder en de scène uit de eerste hand ervaar. Er is niet zoveel ontkoppeling als het lijkt. Het grootste verschil is dat wanneer ik en plein air schilder, ik bijna uitsluitend vierkante kwasten gebruik in plaats van mijn studiofavoriet, de # 4 puntige kwast.

Wat is het beste advies dat je een jonge, ambitieuze aquarellist kunt geven?

Ik hoor deze vraag veel: "Wat kan ik doen om een ​​betere schilder te zijn?" Of het nu wordt gevraagd door een beginner of een ervaren artiest die hoopt te verbeteren, het antwoord is altijd hetzelfde - VERF MEER! Hoe meer we schilderen, hoe beter we worden en hoe meer we ervan genieten.

Ik stel ook voor dat aspirant-jonge aquarellisten een plek zoeken om te schilderen waar het niet nodig is om voor elke schildersessie uit elkaar te gaan en opnieuw in te stellen. Het is niet belangrijk om een ​​chique studio te hebben - alleen een plek waar verf en papier ongestoord kunnen worden weggelaten.

Kunstenaars die wachten tot de muze spreekt, kunnen soms lang wachten. Die tijd kan worden besteed aan oefenen, verfvaardigheden aanscherpen. Zodra een serieuze verbintenis is aangegaan en prioriteit wordt gegeven aan het vinden van tijd om regelmatig te schilderen, volgt de rest. Zoals al het andere dat we in ons leven proberen te beheersen, is oefening het antwoord.

Het is ook belangrijk om te voorkomen dat tegenslagen of afwijzingen verontrustend of frustrerend worden. Ik meet mijn voortgang in stappen van vijf jaar in plaats van van het ene schilderij naar het andere.

Ik laat hetzelfde schilderij niet in meer dan één wedstrijdtentoonstelling zien en ik zou andere schilders willen aanraden hetzelfde te doen. Naar mijn mening zullen kijkers de tweede keer dat ze het zien minder geïnteresseerd zijn in een schilderij, en nog minder de derde keer.

In plaats van te vertrouwen op een zeer succesvol schilderij, zou ik schilders aanmoedigen om terug te gaan naar het atelier, om een ​​nog beter schilderij te maken. Zowel persoonlijke groei als artiest als de ontwikkeling van een kijkerspubliek zullen naar die artiesten komen die zich inzetten om verder te gaan naar het doel dat we allemaal delen - ons best doen.

Artikelbijdragen door Paul Sullivan; alle foto's uit het boek van John Salminen, John Salminen, Master of the Urban Landscape, die u hier kunt bekijken.

Breng uw Watermedia-talenten onder de aandacht

Nu je meer hebt geleerd over het leven, de kunst en het advies van John Salminen, waarom zou je je vaardigheden dan niet op de proef stellen?

Dien uw watermedia-schilderijen in op de 10e jaarlijkse internationale Watermedia-showcase en maak kans op een van de vele ongelooflijke prijzen.Lees hier meer over de wedstrijd, het prijsaanbod en hoe u zich kunt inschrijven. Veel succes, artiesten!


Bekijk de video: John Salminen Master Of The Urban Landscape Book Review (Juli- 2022).


Opmerkingen:

  1. O'shay

    Zeker. Ik word me aan alles hierboven verteld. Laten we deze vraag bespreken. Hier of in PM.

  2. Kunz

    Dit heeft me verbaasd.

  3. Ramey

    Mag ik op mijn blog posten?



Schrijf een bericht