Technieken en tips

Tekening is het hart

Tekening is het hart


We are searching data for your request:

Forums and discussions:
Manuals and reference books:
Data from registers:
Wait the end of the search in all databases.
Upon completion, a link will appear to access the found materials.

Tekenen is het hart
Draftsmanship is de basis van zelfexpressie. Leren tekenen is de langzaamste maar zekerste manier om meesterschap in je schilderij te bereiken.

Door Juliette Aristides

Tekenen is het hart en de ziel van kunst. In de jaren zestig, zeventig en tachtig, in de nasleep van het abstract expressionisme, het neo-expressionisme en de mode voor assemblage- en installatiekunst, verdwenen ze bijna uit het curriculum van de meeste kunstacademies. Tekenen leek overbodig, bijna verouderd. Zelfs daarvoor, in 1924, werd leren tekenen beschouwd als secundair aan leren schilderen, zoals blijkt uit deze observatie van Harold Speed: “Tekenen, hoewel het eerste (in belang), is ook het laatste wat een schilder gewoonlijk studies. Er zit meer in (tekenen) dat kan worden aangeleerd en dat een constante inzet van inspanning loont ”(van De praktijk en wetenschap van tekenen, herdrukt door Dover in 1980).

Kleur is onmiddellijk betoverend, ja, maar vorm verrukt zowel de geest als het oog. Waarom is tekenen, ongeacht het onderwerp, zo belangrijk? Denk aan een portret waarbij de ogen niet goed zijn uitgelijnd of aan een landschap waar het perspectief scheef staat. Welke emotionele impact het schilderij anders ook zou hebben gehad, wordt weggevaagd door een technische fout. Speed ​​geloofde dat tekenen kon worden geleerd, en ik, als leraar van kunstenaars, bevestig die waarheid. Iedereen kan leren tekenen, maar net als piano spelen, zal het niet van de ene op de andere dag gebeuren en zal het niet zonder oefening gebeuren. Sommige kunstenaars beginnen met een faciliteit, omdat ze al tekenen sinds ze kinderen waren. In mijn atelier zie ik dat soort studenten en ik zie de andere soort, degenen die vaardigheden missen maar vastbesloten zijn om het te proberen. De tweede groep boekt enorme winsten, terwijl die in de eerste groep zelden de risico's nemen die nodig zijn om te slagen. Degenen die de discipline hebben om door te zetten, worden getrainde tekenaars, die de technieken van elk medium kunnen beheersen.

De academische traditie

Ik geef momenteel mijn eigen atelierklas aan de Seattle Academy of Fine Arts. Het curriculum dat ik heb bedacht is streng, in overeenstemming met de academische traditie die begon in de ateliers van renaissancekunstenaars en bloeide tijdens de 18e en 19e eeuw, met name in de École des Beaux Arts en de Académie Julian. Eerdere eeuwen begrepen dat de kunstenaar grondig moest worden opgeleid als tekenaar voordat hij verder ging met schilderen; vaak werd tien jaar studeren niet als buitensporig beschouwd. Er werd ook aangenomen dat de vaardigheden van een kunstenaar scherp moesten worden aangescherpt voordat hij of zij het grote onderwerp van de menselijke vorm probeerde aan te pakken. Pas nadat de kunstenaar ambacht had gedemonstreerd in het schilderen van afgietsels van figuren en stillevens, kon hij of zij de vitaliteit en adel van de figuur uiten. Het schilderen van de menselijke vorm vereist dat de kunstenaar niet alleen een gelijkenis bereikt, maar ook - met diepte, gevoeligheid en integriteit - suggereert wat voorbij het uiterlijk gaat: de ziel.

Vaardigheid verbetert de zelfexpressie

Aan beginnende kunstenaars is tegenwoordig verteld dat vaardigheid zelf de zelfexpressie remt. Integendeel, ik geloof dat je door het ambacht van de kunstenaar te leren je eigen visie kunt uiten. Traditionele vaardigheden vormen de basis van waaruit u, de kunstenaar, werkt. Het is vakmanschap, niet het gebrek daaraan, dat is de basis van zelfexpressie. Omgekeerd is creatief zijn zonder kennis van ambacht net zoiets als proberen een structureel ondeugdelijk gebouw te versieren. Het klopt niet.

Ik beschouw mijn onderwijs als het doorgeven van een artistiek erfgoed dat anders verloren zou gaan. Als ik lesgeef, probeer ik de informatie die een artiest nodig heeft op een begrijpelijke manier over te brengen. De complexe taken van tekenen en schilderen worden beter beheersbaar wanneer ze worden opgesplitst in delen.

Tekenen is een proces van vereenvoudiging

Er is niets belangrijker dan tekenen. Het proces van vereenvoudigen, het ontwerpen, valt binnen het domein van het tekenen. Alles, elk aspect van kunst - dat wil zeggen proportie, waarde en vorm - maar kleur valt onder het domein van tekenen. Als de kunstenaar eerst is opgeleid als tekenaar, is ze vrij om zich op kleur te concentreren in plaats van zich zorgen te maken over het al dan niet krijgen van de juiste verhoudingen.

Een van de paradoxen van het leren tekenen is dat de beginfase vereist dat je details opoffert ten gunste van ontwerp en gebaar, terwijl de eindfase vereist dat elk deel van het lichaam wordt weergegeven, anders ziet het werk er generiek en plat uit. Leren tekenen kost tijd; het vereist dat je elke dag uit het leven put. In mijn atelier beginnen studenten met focussen op tekenen; meer gevorderde studenten gaan over op monochromatisch en vervolgens volledig chromatisch schilderen. Studenten tekenen gipsafgietsels, het naaktmodel en stillevenopstellingen; ze kopiëren ook meesterwerken. De projecten worden steeds complexer naarmate hun vaardigheden en het vertrouwen in die vaardigheden toenemen.

Hoe je van tekenen naar schilderen gaat

Er zijn net zoveel manieren om een ​​schilderij te beginnen als er temperamenten zijn. Ik vind het nuttig om het schilderproces te verdelen in de verschillende componenten: compositie, tekening, waarde en kleur - waaraan doorgaans in die volgorde wordt gewerkt. De basis is een sterk ontwerp; een sterk ontwerp heeft impact vanuit de hele kamer. Het volgende belangrijkste onderdeel is tekenen. Mijn doel is dat de tekening zowel nauwkeurig als goed doordacht is. Vervolgens werk ik aan het verenigen van de waarden zodat de donkere gebieden een context bieden voor de lichten. Ten slotte focus ik me op kleur - zowel op de lokale kleur als op de manier waarop het licht die lokale kleur beïnvloedt.

In fasen werken: een ambacht van een kunstenaar

Meestal werk ik een aantal dagen aan de compositie. Vervolgens teken ik direct op het canvas. Ik verfijn de tekening met afgezwakte permanente Indische inkt (zodat de volgende verflaag de lijn niet wegspoelt), aangebracht met een fijn penseel. Vervolgens doe ik een monochromatische onderschildering die de waarden vaststelt. Hiervoor gebruik ik vaak rauwe omber gemengd met terpentijn; dit mengsel kan het oppervlak van het canvas volledig bedekken, maar de inktlijnen blijven eronder zichtbaar. Ik trek de lichten uit met een katoenen doek.

Ik werk altijd van algemeen naar specifiek. Ik begin met de breedste relaties in lijn, waarde en kleur voordat ik me concentreer op de kleinere relaties binnen elk object of binnen elk onderdeel. Met behulp van een groot penseel blokkeer ik de algehele kleurrelaties. De meeste randen zijn verloren gegaan; Ik maak me zorgen over het koppelen van objecten.

Op dit punt kijk ik nog een keer naar de tekening. Leest het op afstand goed? Is er een ondergeschikt deel van het schilderij dat te veel aandacht krijgt? Moet een rand achteruitgaan of vooruitgaan? Vaak maak ik een lijst en raadpleeg ik de lijst terwijl ik wijzigingen aanbreng.

Eindelijk focussen op kleur

Nu zal ik me concentreren op één deel van het schilderij tegelijk en elk gebied in een voltooide staat brengen. Ik probeer de schaduwvormen verenigd en eenvoudig te houden; Ik doe dit door niet te veel waarde variantie toe te staan ​​binnen de schaduwen. Vervolgens concentreer ik mijn inspanningen op de halftonen tussen de kern van de schaduw en de lichten. Als ik een kleur waarneem, doe ik hem erin - het is niet zozeer een kwestie van de kleur zien als het een glimp ervan opvangt vanuit mijn ooghoek. Ik vertrouw erop dat het er in de context goed uitziet. In plaats van één kleur voor een heel gebied te gebruiken, zoek ik naar kleurverhoudingen. Kleur in de natuur is enorm gevarieerd, zeer complex en verbluffend mooi. Zolang de tekening en het waardebereik sterk zijn, kan kleur een kwestie van mening zijn. De kijker onthoudt oordeel over wat aannemelijk lijkt ten gunste van wat de kunstenaar creëert.

Licht in duisternis

Vanaf het begin wist ik dat ik kunstenaar wilde worden. Ik ben opgegroeid in Reading, Pennsylvania, een vrij klein stadje. Mijn ouders waren geëmigreerd uit Kaapstad, Zuid-Afrika, waar ik geboren ben. Mijn vader was arts en mijn moeder bleef, toen ik jong was, thuis. We hadden veel boeken, met name een verzameling van 50 of 60 monografieën over meesterschilders. Mijn familie reisde ook behoorlijk veel, dus ik zag veel kunst en kopieerde eigenlijk veel werken. Ik was een grote fan van Rembrandt's.

Als tiener zette ik mijn wekker om twee uur 's nachts, zodat ik alleen kon zijn en in het donker kon lopen. Ik had veel filosofie gelezen en ik dacht dat het belangrijk was om met de natuur te communiceren, vooral in de tijd dat de hele wereld leek te slapen. Het is verbazingwekkend hoeveel ik kon zien; Ik heb toen veel geschetst. Als je zo oud bent, is het leven zo nieuw en je leeft zo. Het is alsof je de eerste keer dingen ziet, alsof alles in brand staat.

Ik denk dat kunstenaars continu gebruik maken van die jeugdige intensiteit. Nu ik volwassen ben als kunstenaar, lijkt mijn werk steeds meer te gaan over openbaring. Ik zie schilderen als een handeling van verlichting, van werken door de duisternis naar het licht. Licht is een geweldige onthuller van dingen. Ik had een leraar, Myron Barnstone, die ooit tegen me zei: 'Het graf is voor duisternis. Spinnenwebben zijn voor het graf. Als je leeft, zou je licht moeten vieren. " Die verklaring heeft bij mij weerklank gevonden. Ik vind het fascinerend dat er in het leven momenten zijn waarop je beseft dat er iets belangrijks gebeurt; dat een ervaring nooit zal worden gereproduceerd; dat het zal vervagen en vergeten zal worden en nooit zal worden teruggevorderd - tenzij je het schildert. Het vermogen hebben en de vaardigheid hebben verworven om dat soort momenten te schilderen, dat soort openbaringen vast te leggen, is waanzinnig wonderbaarlijk.

Aspecten van Craft
Tips van het atelier

1. Teken uit gipsafgietsels van antieke beelden.

2. Kopieer hoofdtekeningen. Deze oefening geeft je de mogelijkheid om te bestuderen hoe de meesters de natuur, met al haar variantie, overvloed en detail, in lijn veranderden.

3. Denk als een ontwerper. De grootste imitatie is niet de grootste kunst. Zoek bij het tekenen naar het leven wat je wilt zeggen en benadruk het dominante karakter van de pose van het model.

4. Werk van algemeen naar specifiek. Het is gemakkelijk om overweldigd te worden door de complexiteit die in de natuur voorkomt en er is ervaring voor nodig om te beginnen om uit te zoeken wat relevant is en wat niet nodig is.

• Loensen terwijl je naar je onderwerp kijkt.

• Kijk door gekleurd glas of gekleurd acetaat om u te helpen de lijn te zien.

• Voordat u begint met schilderen, moet u alle informatie in een kleine schets samenvoegen - bijvoorbeeld 3 × 4 inch. Als de schets aan de andere kant van de kamer goed leest, ben je klaar om te beginnen met schilderen.


Over de kunstenaar

"Mensen hebben de indruk dat het krijgen van kinderen hun leven zal beperken of hun wereld zal omsluiten, maar ik realiseerde me na het hebben van mijn dochter en zoon dat mijn wereld eerder gesloten was", zegt Juliette Aristides, die de Wilderprijs voor tekenen won van de National Academy of Design in New York City in 1995. Ze studeerde bij Jacob Collins in het beroemde Water Street Atelier; ze heeft nu haar eigen atelier. Haar website is www.aristidesarts.com.

Zie haar voor meer van Aristides 'leringen over tekenen Lessen in klassiek tekenen, en Klassiek tekenatelier door op de boektitels te klikken.


Bekijk de video: Hoe teken je hart van object prettig (Juli- 2022).


Opmerkingen:

  1. Tarisar

    Bravo, what the correct words ..., brilliant idea

  2. Fishel

    Sorry, de zin is verwijderd.

  3. Davidson

    U kunt u aanraden de site te bezoeken waar veel artikelen over het onderwerp zijn die u interesseert.

  4. Everard

    Talent, je vertelt niets..

  5. Kimathi

    Je kan het zien!



Schrijf een bericht